Kiki
La aprendiz de Bruja

A los trece años, Kiki debe cumplir con el ritual de noviciado de bruja: dejar su hogar paterno para establacerse una temporada en una ciudad lejana, en companía de su gato negro. Este largometraje, cuarto de Miyazaki en Ghibli, sigue los esfuerzos de Kiki para hacerse un lugar en su nuevo mundo, trabajando como mensajera aérea a domicilio.

Ambientación: ciudad marítima, indeterminada pero claramente europea, a mediados del siglo XX.

Sinopsis:
Los primeros minutos, antes de los títulos iniciales, relatan la decisión y la partida de Kiki, una noche de luna llena. Lo que sigue puede dividirse en cuatro partes, más un breve epílogo tras los títulos finales:

Llegada y establecimiento en la ciudad: Aunque los comienzos no son fáciles (un incidente con un policía, la indiferencia de la mayoría, las dificultades para encontrar alojamiento y el primer amago de desaliento), Kiki logra la amistad de una panadera (Osono) que le ofrece un desván para dormir. A cambio, y mientras arranca su proyecto de servicio de delivery, Kiki ayuda al matrimonio (esperando un hijo en breve) con el negocio.

El servicio de delivery: Kiki logra sus primeros encargos y va tomando confianza. Un accidente en el primer envío -en el que su gato Jiji debe hacerse pasar por un juguete de peluche- conoce a Úrsula, la joven pintora que vive sola en una cabaña del bosque. También gana el aprecio de una anciana, y la invitación de Tombo -un muchacho con quien ha tenido algunos encuentros poco afortundos- a una fiesta. Una tormenta de lluvia le impide asistir y la mojadura le ocasiona un resfrío.

Problemas: maquinaciones de la panadera mediante, Kiki y Tombo logran al fin amigarse. Pero ella aún se siente retraída y fuera de lugar ante sus amistades juveniles. Pronto descubre espantada que sus poderes de bruja flaquean: ya casi no puede volar en la escoba ni comunicarse con su gato. La compañía de Úrsula le sirve de contención y le hace reflexionar sobre el sentido de sus rol de bruja.

Al rescate: Tombo queda involucrado en un accidente aéreo, y Kiki se ve urgida a recuperar sus poderes para tratar de salvarlo: ocasión también de superar sus miedos y lograr relacionarse con la gente.

Personajes:
Kiki y su gato Jiji son los protagonistas excluyentes. La bruja novicia es animosa y amable, pero no sin desánimos y timideces. El gato tiene una personalidad menos avasallante en la versión original, en los idiomas inglés y español acusaron sus rasgos cómicos y burlones.

Los padres de Kiki sólo aparecen al comienzo y fugazmente en el epílogo. Es de la madre de quien Kiki hereda su condición de bruja.
En la ciudad, el matrimonio de la panadería son quienes le brindan hospitalidad. Sobre todo ella, Osono, embarazada, es muy afectuosa y jovial. El panadero es el hombretón callado, aparentemente hosco pero en el fondo un buenazo.
Tombo es el muchachito de la película; fanático de la aviación, queda fascinado con la llegada de Kiki; pero sus modos atolondrados y ruidosos no facilitan el acercamiento.
También están Úrsula, la joven artista, bohemia que vive sola en una cabaña en el bosque. Y la anciana, abuela de la niña desamorada, que vive sola con su asistenta.

Puede agregarse otro personaje de importancia: la ciudad. En su conjunto (paisaje, edificios y habitantes) es una presencia viva que se impone, signo del mundo en el que Kiki debe insertarse. No parece tratarse de una ciudad real en particular, sino de un rejuntado de varias ciudades de occidente: sobre todo Estocolmo (pero también Lisboa, Nápoles y otras). La fascinación de Kiki al descubrirla es reflejo, probablemente, de las impresiones de Miyazaki, quien había descubierto Europa en una visita a Suecia, en 1970.

Como en España la palabra "Kiki" tiene connotaciones sexuales, lo han cambiado a "Nicky". Esas connotaciones no existen en América, y afortunadamente el doblaje mexicano conserva el nombre original (como lo conservamos acá).

Ambos doblajes españoles (el de España y el de México) se basan en el doblaje inglés, que añade muchos parlamentos inexistentes en el original (ese miedo a los silencios...) y transforma al gato Jiji en el clásico personaje burlón y parlanchín. Una lástima —aunque algunos lo prefieren así. Salvo esto, ambos doblajes están bastante bien, sobre todo el mexicano; pero este es el más difícil de hallar. Mención aparte merece el doblaje italiano, fiel al original japonés.

En DVD hay una sola versión legal disponible, por lo que sé, de Buenavista, con el doblaje español de España. Calidad pasable, y algunos pocos extras (los storyboards o bocetos) pero, además de los mencionado sobre la versión española, tiene uno de esos descuidos de edición al que nos tienen acostumbrados: un defecto de transferencia NTCS-PAL (25 vs 24 fps) que hace que la película resulte algunos minutos más breve; imperceptible, de todas maneras.

Kiki señaló el afianzamiento financiero del estudio Ghibli: fue el primer éxito masivo de público, la película más vista en Japón en 1989.

En lo técnico, la película continúa la línea de las anteriores, manteniendo y superando los estándares de Ghibli en dibujo, animación y escenarios.

La banda sonora es una de las más estimadas de Hisaishi, muy variada y atractiva.

Con todo, Kiki no suele figurar entre las preferidas por los fans de Miyazaki. Algo demasiado edulcarada para algunos, o (paradójicamente) falta de vuelo; aunque algunos críticos de cine (ej 1 ; ej 2) la ponen por las nubes.

A mi ver, si bien Kiki no es de las obras más logradas de Miyazaki, si flaquea algo por el lado de la trama y de los personajes, es de todas maneras agradable, y sus debilidades quedan compensadas con varios momentos muy felices.

Los más y los menos:

La primerísima escena, con Kiki recostada sobre el pasto, el sonido del viento, la abeja y la radio, es magnífica; la sensualidad de Miyazaki, el placer físico de estar en este mundo. Y hay varias escenas por el estilo: el disfrute de Kiki es palpable, cuando contempla el mar sentada en la playa con Tombo, cuando respira el viento —antes del encuentro con Tombo provocado por Osono, y tras subir la cuesta con Úrsula.

También la escena de los títulos iniciales, la excitación alegre del primer viaje a la luz de la luna (sobre todo con la música del doblaje original) es uno de los puntos más altos de Ghibli.

No es una de las obras más representativas de Miyazaki, no se lo nota del todo cómodo; téngase en cuenta que está basado en un libro ajeno, y que originalmente el director no iba a ser él. Quizás por esto, cierto desajuste entre el clima y el mensaje. La conversación final con Úrsula bordea peligrosamente -aunque sin caer- el sermón pretencioso. Y algunos personajes -sobre todo Tombo- resultan poco convincentes, faltos de carisma; en Kiki misma se echan de menos algunas virtudes de las protagonistas miyazakianas.

Es notable, de todas formas, cómo Miyazaki se esfuerza por introducir en este marco más bien pueril el tema serio del crecimiento adolescente: el desánimo y la soledad (la inquietud del primer día, cuando no consigue alojamiento y escapa de la policía), la timidez y la vulnerabilidad (el primer despertar en casa de la panadera, con la excursión al baño), su retraimiento ante las chicas fashion de la ciudad... Es este aspecto, nada lateral, de la historia el que da relieve al desenlace; que es inseparable de las escenas de los créditos finales, en los que aparece saludando al policía y conversando animadamente con una de las amigas de Tombo: crecimiento y aceptación.

Aunque a algunos les causa gracia, yo encontré más bien insulsa y demasiado larga la escena humorística con Jiji haciéndose pasar por un gato de peluche. Para mí, el humor de Miyazaki es más eficaz en esos (escasos) chispazos sueltos; por ejemplo, el panadero haciendo gala de su habilidad para impresionar a Jiji.

Trivia

Cuando Osono invita a Kiki con un café, el doblaje inglés (Disney) lo cambió a chocolate, por considerar inapropiado el café para niños. El doblaje español copió esta tontería —aunque se ve claramente que es un frasco de café.

¿Al final Kiki recupera la comunicación con su gato? En el doblaje inglés (y español), parece que sí. En el original, parece que no. La interpretación más autorizada es que, aunque Kiki recupera sus poderes, la comunicación con Jiji termina al mismo tiempo que ella logra relacionarse con la gente de la ciudad.

El libro original tiene poco que ver con el guión de Miyazaki. Tanto, que su autora casi se niega a dar su autorización; costó convencerla; exigió, entre otras cosas, conservar el detalle de las campanitas en los árboles, que Kiki hacía sonar al chocarlos. En la película, esto resulta algo forzado.

La película recibió algunas quejas (pocas: tampoco se trata de los niveles de popularidad de Harry Potter) de algunos grupos cristianos de EEUU en guerra con todo lo que huela a magia y brujería. Por otro lado, hay espectadores que se han sentido molestos por la frecuencia con que se ve la ropa interior de Kiki...

Un «cameo» de Miyazaki: aparece (arriba a la derecha) entre los hombres que miran el televisor mientras el barrandero se jacta de ser el dueño de la escoba.

La pintura de Úrsula fue hecha por alumnos de una escuela de niños discapacitados; Miyazaki hizo algunos retoques y agregados.

No es muy conocida por el gran público en Occidente (es el caso de casi toda la producción Miyazaki pre-Mononoke). El personaje aparece incluido en el banner del sitio de Steven D. Greydanus decentfilms.com, al lado de clásicos como Juana de Arco de Dreyer y Cantando bajo la lluvia.

La escena del perro grande, atemorizante pero inofensivo, recuerda (sobre todo por la música) a escenas similares de Heidi, con el perro Niebla.

No son de Hisaishi los temas musicales de los títulos iniciales y finales; en este caso se usó música 'pop' vocal, de sabor ochentoso y sin relación con la película; por algún motivo, la decisión resultó muy efectiva, sobre todo en los créditos iniciales. En los doblajes español e inglés estas dos canciones son diferentes (supongo que por temas de copyright), quedaron bien, aunque no tanto como las originales.

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Otra de las peliculas de animación de Hayao Miyazaki:

LAPUTA
El Castillo en el Cielo

Laputa: Castillo en el cielo, primera película plenamente Ghibli, sobre idea y guión de Miyazaki. Es la preferida de los que aman "las de acción". Dos jóvenes (Shita y Pazu) van al encuentro de una isla volante, obra de una civilización aparentemente extinguida. Enfrente tienen a Muska, el villano que aspira a dominar la isla, y la banda de piratas que sólo buscan enriquecerse.

Ambientación: población minero, lugar indeterminado y época ambigua, con tintes retrofuturistas: se diría una Europa siglo XIX (en particular, se dice que Miyazaki se inspiró en una visita a Gales) con artefactos imaginarios (volantes, sobre todo), de un futuro que no fue.

Personajes:
En Shita (o Sheeta, o Zita) tenemos nuevamente a la heroína Miyazaki. Algo más dulce o tímida que Nausicaä, Shita pertenece a la estirpe de los laputianos, los que construyeron Laputa, la isla volante en cuya existencia legendaria pocos creen. Posee como reliquia de familia una piedra de un cristal especial, anti-gravedad, característico de Laputa, del cual el gobierno, empujado por la ambición de Muska, quiere apoderarse.

Pazu es un joven huérfano, minero, que se cruza en el camino de Sheeta. El compañero varón de rigor, sencillo, valiente y leal. Él también está ligado a Laputa, porque su padre, aviador, había llegado a ver la isla en una tormenta; burlado por los incrédulos, murió sin lograr confirmar su visión, y su hijo espera poder hacerlo por él.

Muska es el prototipo del malo de las películas de acción. Sólo quiere apoderarse de Laputa para dominar el mundo; se apoya en su propia estirpe, real como la de Shita. Finge colaborar con el gobierno para usar los poderes militares. Si exceptuamos algunos personajes pre Ghibli (el conde en Lupin; Lepka en Conan) es el único personaje definitivamente malvado de la obra de Miyazaki.

Dola y su banda. La madre y jefa de los piratas del aire, más salvaje y audaz que sus hijos. Si Muska es el prototipo del malo a secas, estos piratas son el prototipo del malo simpático, que al correr de los sucesos deviene en aliado.

Los robots: especie de guardias de Laputa, protegen la ciudad, y reconocen la realeza de la portadora de la piedra. Dos de ellos (uno en tierra y uno en la isla) tienen especial protagonismo.

Personajes secundarios: El tío Pom, minero anciano, muy compenetrado con los secretos de las piedras y conocedor de las sabidurías antiguas. El jefe de máquinas del establecimiento, y jefe de Pazu; de exterior rudo, protege a Pazu (él y su esposa parecen oficiar de padres postizos) y no duda en boxear con los piratas para salvar a Shita. El general del cuerpo militar, tosco y de pocas luces, es llevado de las narices por Muska.

La trama puede dividirse en cuatro partes:
1. (0:00-0:36) La persecución de Shita : perseguida por Muska y los piratas, auxiliada por Pazu y los pobladores, finalmente capturada.
2. (0:36-1:01) El rescate de Shita: con la ayuda de los piratas y del robot, Shita es liberada. Pero Muzka tiene la piedra.
3. (1:01-1:22) El viaje a Laputa: los piratas con Pazu y Shita por un lado, Muzka con los militares por el otro, se encaminan a Laputa.
4. (1:22-1:57) La lucha en Laputa: los piratas y Shita son apresados, Muska revela sus intenciones...

Por obvias razones, las versiones en español eluden el nombre de la isla en el título, que pasa a ser simplemente "El castillo en el cielo". Y cuando hay que nombrarla dicen algo como "Lapuntu".
El nombre original, "Laputa", proviene de "Los cuentos de Gulliver", de Swift. Y según parece, este (a diferencia de Miyazaki) no ignoraba cómo suena esa palabra para los hispano hablantes.

La película tiene un claro precedente en "Conan, el niño del futuro", por su espíritu de aventura y sobre todo por la pareja protagonista.

En lo técnico, la película muestra progresos evidentes. Más seguro el dibujo y la animación; notable la paleta de colores.

La música de Hisaishi tiene varios puntos en común con Nausicaä, también con algunas partes sintetizadas y otras de sabor clásico; y éstas son las más felices. El tema principal, aunque de estructura algo demasiado convencional, es efectivo. En los títulos iniciales aparece acompañando una bella secuencia de dibujos, como grabados antiguos futuristas. Y reaparece al final, cantado con una letra del propio Miyazaki. Hisaishi remozó la banda sonora para la reedición en EEUU de Disney.

Laputa parece representar, dentro de la obra de Miyazaki, lo más cercano a la esencia de lo que un lector infanto-juvenil busca en la "novela de aventuras". Dos adolescentes (varón y mujer, solos, sin familia) cuyas vidas se cruzan en el inicio de una búsqueda: una isla legendaria en el cielo. Hace falta cierto espíritu infantil para entrar en una historia de este género, y yo no estoy seguro de tenerlo; de hecho, no está entre mis preferidas. En aquel sentido, y sin ser la obra más fantástica de Miyazaki, quizás sea la más escapista, y la más a propósito para provocar una identificación con las imaginaciones juveniles; cosa frecuente en el anime, pero no tanto en Miyazaki. No nos meteremos acá a discernir los buenos y malos sentidos del adjetivo "escapista"; pero sí anotamos esta leve paradoja: cerca del final, Shita cita una canción antigua ( "Echa tus raíces en la tierra, vive en armonía con el viento, planta tus semillas en invierno y disfruta de las aves en primavera") que parece inculpar a la creación de la isla volante de una especie de escapismo, contrario a la naturaleza humana.

Algunas escenas y notas sueltas:

La caída de Shita, atravesando las nubes, hasta caer suavemente en brazos de Pazu, de mucho efecto visual. Y en el medio, la secuencia de títulos iniciales, con esos dibujos tan sugestivos.

La pintura del pueblo minero, aunque breve, también es efectiva. Sobre todo la escena del amanecer, mientras Pazu cumple su rutina matinal de liberar las palomas y tocar la trompeta. Muy Miyazaki.

La pelea del jefe de Pazu con los piratas, es del estilo de comedia a base de golpes (slapstick). Personalmente, no disfruto demasiado de ese humor, quizás por falta de cierta simplicidad infantil... Miyazaki había usado este recurso en Conan y en Lupin III, y lo volverá a usar en Porco Rosso.

Aunque no es de las obras más sensuales de Miyazaki, hay rasgos típicos: la morosidad al comer el desayuno, el frescor del viento que parece palpable cuando Shita y Pazu deben oficiar de vigías, el recostarse sobre el césped en la isla...

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Nausicaä en el Valle del Viento

El valle del viento es un lugar que se ha convertido en maldito mil años después de una guerra mundial catastrófica. La humanidad sobrevive, a duras penas, a orillas de un bosque contaminado con gases tóxicos e insectos mutantes gigantes, que cubren gran parte de la Tierra. En este escenario post-apocalíptico, habita Nausicaä, la princesa del Valle del Viento, única hija del rey. Esta joven piloto y guerrera busca la clave sobre esos contagios y se resiste a ver a los insectos como enemigos. La crisis estalla cuando el reino vecino de Tolmekia, al mando de la princesa Kushana, invade el pueblo e intenta revivir a un mortífero «Dios de la guerra», de los tiempos de la gran hecatombe, para triunfar contra sus enemigos y contra el bosque contaminado. Miyazaki plantea ya desde este film, su amor hacia la naturaleza, es decir, esa suerte de ecologismo tan particular, nada forzada ni obvia, que le ha caracterizado desde entonces. ‘Nausicaä’ es, asimismo, un film que reivindica la paz y el intento de comprensión de los enemigos, a pesar de —o precisamente al— rebosar escenas bélicas, batallas de todo tipo y artefactos diseñados para la guerra en la imaginación del autor.

En este sentido se asemeja, más que a ningún otro anime de los que creó Ghibli más adelante, a ‘La princesa Mononoke’. Si bien su tono es menos violento, comparte con ella muchos elementos, tanto que la de 1997 podría parecer una reescritura de ésta. Las mencionadas enseñanzas —pacifista y de respeto por los seres vivientes— se imbrican en una historia emotiva, original y que permite momentos entretenidos y trepidantes, así como bellísimas escenas contemplativas. ‘Nausicaä’ presenta colores más pastel que otras cintas de Ghibli, lo cual no sé si se debe a una elección del autor o a que la restauración de la que hablábamos ayer no haya rescatado por completo los tonos y nitidez originales para la presente versión en 35 mm. A pesar de la sensación de paso del tiempo que puede provocar esta baja saturación, una vez se entra en el universo de la película, todo resulta maravilloso. Los animales e insectos gigantes parecer que tuviesen personalidad propia, los paisajes son tan imaginativos y atrayentes, que podríamos colarnos en ellos y sobrevolarlos como hace la protagonista sin dejar de sorprendernos. Los personajes son, como siempre en este creador, otro de los estímulos de la obra, tanto por su diseño estético, como por su personalidad siempre ambigua y por su comportamiento. Es, por todo ello, una película que se goza. Llama mucho la atención, a lo largo de todo el anime, la banda sonora de Joe Hisaishi, colaborador habitual de Miyazaki y su productor y socio, Isao Takahata. Si muchos detalles de ‘Nausicaä del valle del viento’ nos sirven para datar la película en los años ochenta, la música es lo que más claramente nos remite a esa década. Partituras electrónicas muy marcadas —casi estridentes— acompañan los momentos de acción y aventura que vive la joven, mientras otras composiciones más melódicas, bastante bellas, ambientan los momentos de mayor tranquilidad. Un film largo, denso y exigente, pero al que no le falta nada de lo que nos ha fascinado de Miyazaki en propuestas posteriores. Ética y estéticamente maravillosa, ‘Nausicaä del valle del viento’ supone una cita ineludible y, aunque sea con más de un cuarto de siglo de retraso, esta versión restaurada nos brinda una excelente oportunidad de apreciarla en todo su esplendor

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LUPIN III

Lupin y Jigen acaban de llevar acabo otro atraco de un millón de dólares, sólo para descubrir que todos los dólares son falsos y provienen de Cagliostro. Cagliostro ha abastecido de dinero falso a todo el mundo durante décadas, y ha sobrevivido porque la economía global ha adquirido una enorme dependencia de este dinero falso.

Poco después de traspasar los límites de Cagliostro, Lupin se encuentra con la adorable princesa de Cagliostro, apasionadamente perseguida por el Duque de Cagliostro. Los hombres del Duque la apresan y la encierran en el fortificado castillo del Duque. Tras una pequeña investigación, descubren que el Duque pretende casarse con ella contra su voluntad... y quizá planee algo más, algo relacionado con un tesoro perdido durante siglos.

Una bella dama en apuros, un malvado Duque al que dar una lección, un tesoro perdido y la banda de falsificadores más grande de la Tierra... ¡Esto es un encargo que Lupin no podrá resistir! Pero se necesitarán los esfuerzos combinados de Lupin y todos sus amigos, Jigen , Goemon , Fujiko , la propia Princesa e incluso el incansable Inspector Zenigata , para arruinar los planes del Duque y salvar el día... ¡Emoción y caos están servidos!

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Hayao Miyazaki

Hayao Miyazaki nació el 5 de enero de 1941 en el pueblo de Akebono, del distrito Bunkyo de Tokio. Fue el segundo de cuatro hermanos. La familia Miyazaki se mudó a Utsunomiya y luego a Kanuma en 1946. Era allí mismo en Kanuma donde la empresa familiar (Miyazaki Airplane) tenía su sede. Esta empresa fabricaba los timones de cola para los famosos cazas Zero durante la Segunda Guerra Mundial.

Del 47 al 52, fue una época difícil para los Miyazaki pues la madre de Hayao enfermó de tuberculosis espinal, crisis que la tuvo en el hospital nueve años (entre 1947 y 1955). Algunos críticos han anotado que parte de las vivencias en estos años se ven reflejadas de manera autobiográfica en ciertas escenas de "Mi Vecino Totoro". En estos años de infancia y adolescencia Hayao Miyazaki encuentra placer en sus ratos de ocio dibujando aviones y artefactos voladores, ya fueran los que veía en la factoría de la familia, o diseños de su propia invención.

A finales de ese mismo 1963, la Toei entra en una crisis sindical, en donde Hayao (Secretario General del sindicato) lidera la protesta, siendo secundado por el joven Isao Takahata (vicepresidente del sindicato). Al mismo tiempo, empieza a salir con la animadora Akemi Ota con quien se casaría un par de años después.

Poco después de acabar sus estudios secundarios, Hayao tiene la oportunidad de ver en cine el primer largometraje animado japonés en color (Hakuja Den), y sale del teatro con la firme decisión de convertirse en animador.

Hayao entra a la Universidad Gakushuin, de donde recibe su grado en el año 1963 en Ciencia Política y Economía. Luego logra un trabajo como asistente en Toei Animation, en donde tras un breve (pero intenso) entrenamiento empieza a trabajar como in-betweener (las personas que dibujan los cuadros de animación intermedios entre los puntos de referencia que hace el animador principal). A pesar de que nunca había dibujado personas, y su experiencia en el campo del dibujo se limitaba a dibujar aviones, Hayao demuestra ser muy hábil en el diseño de personajes y en generar ideas argumentales.

En otoño de 1965, Hayao se unió a Isao Takahata, para ayudarle en la producción de “Horus, Príncipe del Sol”. Al creer que no habría mas oportunidades de participar en la producción de un largometraje (pues la animación en televisión empezaba a desplazar al cine animado), Hayao hace un pacto con Takahata (director del proyecto) para terminar Príncipe del Sol a toda costa. Tras muchas penurias tanto económicas como de producción la película finalmente se estrena en 1968. Akemi Ota trabajó como animadora principal en la película.



Los siguientes años la pareja Miyazaki trabaja en varios proyectos de largometraje, siempre con la cercanía de Isao Takahata. A principios de los 70’s, Hayao e Isao entran a trabajar en el estudio A-Pro, cuyos proyectos no tienen gran trascendencia, y se retiran juntos para entrar a Zuivo Pictures. Allí, el primer encargo que recibe Hayao es el de viajar a Suiza para crear los diseños y organizar la producción de una serie llamada “Heidi, la niña de los Alpes” (1973). Dos años después, Hayao viaja a Argentina, esta vez para preparar “Tres mil millas en busca de mamá” (mejor conocida como “Marco”). El final de esta década estuvo marcado con la dirección por parte de Miyazaki de incluso otra serie de culto: “Conan, el niño del futuro”, y la dirección (en Tokyo Movie Shinsha) de “Lupin III - el castillo de Cagliostro”.

En 1980, Hayao trabajó como instructor de nuevos animadores en Telecom, en donde su primer proyecto personal a gran escala empezó a tomar forma...



“Nausicaa del Valle del Viento” era un manga que Hayao empezó a dibujar en el año 1982, y cuya animación se inició en 1983 bajo la dirección del mismo Hayao con la producción del estudio Topcraft y la fuerte ayuda económica de la empresa de publicidad Hakuhoudo (propiedad de su hermano Shirou Miyazaki). Durante la pre-producción de la película, la madre de Miyazaki muere a la edad de 71 años en julio de 1983, y el filme se atrasa. Nausicaa se estrena finalmente en marzo de 1984, tras lo cual Hayao e Isao deciden independizarse, recontratando a todo el personal de Topcraft para formar su nuevo estudio.

Studio Ghibli se funda oficialmente en 1985 y el resto, como se dice, “es historia”. Pero ese ya es tema para otro artículo...

Datos sobre Miyazaki y Ghibli

Ghibli es una palabra africana que significa “viento caliente que sopla en el desierto del Sahara”, y con la cual se designaba a los aviones caza italianos durante la Segunda Guerra Mundial.

Fushigi no Umi no Nadia, la primera serie de TV de Gainax, era originalmente un proyecto de Miyazaki en los años 70’s para Toho que nunca se realizó. A finales de los 80’s Toho y NHK le encargaron el proyecto a Hideaki Anno.


Tras Mononoke Hime (1997) Miyazaki anunció su retiro como director de largometrajes, asumiendo sólo funciones de productor en Ghibli. Situación que no duró mucho pues una vez iniciada la producción de Sen to Chihiro él regresó a las andadas y tomó el control de proyecto. Una vez estrenado Sen to Chihiro (2001) anunció en una conferencia de prensa su retiro definitivo... tras lo cual pasó a dirigir Hauru no Ugoku Shiro - El Castillo Errante de Howl (2004).

El manga de Nausicaa abarca 7 tomos, los cuales Miyazaki terminó de dibujar en 1994. La película escasamente muestra lo que son los primeros 2 tomos, por lo que tiene un final forzado. Miyazaki mismo dijo alguna vez que le habría gustado que el final de Nausicaa (la película) hubiera sido más abierto y menos dulce, tal como el final de Mononoke.

Un muy buen amigo de Miyazaki ha rechazado varias veces el trabajo como director de películas de Ghibli. Estamos hablando de Mamoru Oshii (director de Avalon, Ghost in the Shell).

Muchas personas empezaron su carrera en el anime con Studio Ghibli, entre ellos el animador responsable del Dios Guerrero que aparece en Nausicaa. Poco después este animador fundaría su propio estudio. Su nombre: Hideaki Anno, director del estudio Gainax (creadores de la serie de TV “Evangelion”).

Studio Ghibli recientemente ha colaborado en la financiación de películas y series de TV. Entre otras colaboró en la producción de la película "Ghost in the Shell II: innocence", dirigida por Mamoru Oshii (2004).















Fuente: http://www.cristalab.com

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